Episode #3

La terza puntata di bip bop gravita attorno alle nozioni di coralità, polifonia, voce collettiva. Il coro come metafora o allegoria dell’azione condivisa, di un processo di ascolto reciproco in cui voci diverse si uniscono divenendo complementari, di una tensione ad esplorare l’incontro o l’apertura del singolare al plurale. La polifonia come mutua risonanza, come stato naturale dell’esistere nella ricerca di un linguaggio comune. The third episode of bip bop gravitates around notions of chorality, polyphony and collective voice. Chorus as a metaphor or allegory of a shared action, of a process of reciprocal listening where different voices merge becoming complementary, of a tension to explore the encounter or the opening of the singular to the plural. Polyphony as a mutual resonance, as the natural state of the existence in search of a common language.

INDEX
Works #1: Libia Castro & Ólafur Ólafsson, Constitution of the Republic of Iceland (2008-11). Estratto
Interludi #1: Enrica Lisciani Petrini, Introduzione. Noi: Diapason-soggetti, da Jean-Luc Nancy, All’Ascolto, Raffaello Cortina Editore 2004
Works #2: Mikhail Karikis, Sounds from Beneath (2010-11)
Archivio: Felix Hess, Fogg Dam, da Frogs 4 (1985)
Parole in libertà: Emilio Fantin, Dynamica, ateneo dinamico (2012). Estratto
Works #3: Francesca Grilli, Iron (2012)
Parole in libertà: Emilio Fantin, Dynamica, ateneo dinamico (2012). Estratto
Interludi #2: Joseph Beuys, Conversazioni e dichiarazioni, in Beuys a Milano, 1993
Works #1: Libia Castro & Ólafur Ólafsson, Constitution of the Republic of Iceland (2008-11). Estratto
Works #4: Alessandro Bosetti, African Feedback (Errant Bodies 2005)
Radio Links: Saout Radio presenta Maroccan Mix con: Zouheir Atbane, Pop corn process (2012), Meryem Benm’Barek, How does it sound? (2012); Mohamed Laouli, Change (2012); Zoulikha Bouabdellah, My Holly Virgin (2012)
Interludi #2: Joseph Beuys, Conversazioni e dichiarazioni, in Beuys a Milano, 1993
Playlist: a cura di Luciano Maggiore

WORKS #1
Constitution of the Republic of Iceland (2008-11) nasce dalla collaborazione di Libia Castro e Ólafur Ólafsson con la compositrice islandese Karólína Eiríksdóttir. Gli artisti hanno lavorato con la compositrice per creare una partitura per voci soprano e baritono, piano, basso e coro da camera con cui realizzare una performance corale della Costituzione islandese. La composizione è stata presentata al pubblico per la prima volta nel marzo del 2008 in Islanda, sei mesi prima del collasso del sistema bancario in questo paese. Il progetto è stato poi presentato sia in radio sia in un video realizzato alla televisione nazionale nel 2011 e poi trasmesso in diverse occasioni, fra cui il giorno in cui la neoeletta Assemblea Costituzionale si riunì per iniziare il processo di revisione della Costituzione islandese. Constitution of the Republic of Iceland (2008-11) represents Libia Castro and Ólafur Ólafsson’s first collaboration with Icelandic composer Karólína Eiríksdóttir. For this piece, the artists worked with the composer to create a score to which the Icelandic Constitution could be performed by soprano and baritone vocals, piano, double bass, and a mixed chamber choir. The composition was first publicly performed in March 2008 in Iceland, six months before the collapse of the country’s banking system. The project has been presented both as a radio broadcast and as a video staged at The Icelandic National Broadcasting Service Television in 2011. The video was aired several times, the first of which having been the day the new elected Constitutional Assembly was set to begin revising the Icelandic Constitution.
Libia Castro (nata a Madrid) e Ólafur Ólafsson (nato a Reykjavik) collaborano dal 1997. Il loro lavoro esplora le relazioni fra arte, vita quotidiana e questioni sociopolitiche e crossculturali avvalendosi di una pluralità di media – documentari video, installazioni multimediali, performance pubbliche, scultura e fotografia – con un approccio concettuale caratterizzato da elementi ludici e trasgressivi. Hanno entrambi frequentato The Frank Mohr Institute in Olanda e hanno presentato il loro lavoro in mostre, musei, centri per l’arte contemporanea e gallerie internazionali, fra cui la settima edizione di Manifesta in Trentino Alto Adige (2008) e La Biennale di Liverpool (2012). Loro mostre personali recenti si sono tenute all’Icelandic Art Center, Reykjavík (2011), al Padiglione islandese della Biennale di Venezia (2011) e a Tent, Rotterdam (2013). Nel 2009 hanno ricevuto il terzo premio nel prestigioso Dutch art prize, Prix de Rome, per il loro video Lobbyists. Il loro lavoro è incluso nelle collezioni del CAAC di Siviglia, la Galleria Nazionale Islandese e The Kverneland Folgerø Sammlung a Berlino. Libia Castro (born in Madrid, Spain) and Ólafur Ólafsson (born in Reykjavik, Iceland), aptly referred to as “citizens of the world”, met in the Netherlands in 1997 and have been collaborating since. Exploring the relationships between art, everyday life, sociopolitical and crosscultural issues, Castro and Ólafsson have built up a body of work using a variety of media, which includes documentary video, sound and multimedia installation, public performance, sculpture, and photography. They have developed a conceptual approach to art making that is characterized by a sense of play, transgression, and inventiveness. Both artists received their MA in visual arts from The Frank Mohr Institute in the Netherlands, where their partnership was formed. They have shown in international exhibitions at major museums, contemporary art centers and galleries around the world: among these, Manifesta 8 (2008), Liverpool Biennial (2012), and solo exhibitions at the Icelandic Art Center, Reykjavík (2011), Icelandic Pavilion, Venice Biennale (2011), and Tent, Rotterdam (2013). In 2009, they were awarded third place in the prestigious Dutch art prize, Prix de Rome, for their video Lobbyists. Their work is included in such collections as CAAC in Sevilla, Spain, The National Gallery of Iceland, and The Kverneland Folgerø Sammlung in Berlin, Germany. http://libia-olafur.com/

WORKS #2
Per il progetto Sounds from Beneath (2010-11), Mikhail Karikis ha lavorato con un coro di minatori della contea di Kent. L’artista ha chiesto al gruppo di ricordare e vocalizzare i suoni delle attività sotterranee che erano soliti sentire nella miniera di carbone in cui un tempo lavoravano. Il pezzo corale emerso da questo processo è cantato dai minatori e catturato in un video creato in collaborazione con Uriel Orlow. Le voci degli uomini riproducono suoni di scavi, trivellazioni, frantumazioni, esplosioni, allarmi e macchinari sullo sfondo del paesaggio della cava di carbone. Il lavoro quotidiano della miniera è riportato in vita in una canzone che si affida a una narrativa rarefatta, basata su parole chiave e sulla simulazione dei suoni della cava. Le voci dei minatori risuonano sulla desolazione, evocando pratiche ormai perse e obsolete. For the project Sounds from Beneath (2010-11), Mikhail Karikis worked with a Kentish miners’ choir. He asked the group of former miners to recall and vocalise the sounds of underground activity they used to hear in the colliery. The subsequent sound piece is sung by the miners and captured in a video created in collaboration with Uriel Orlow. In it, the men unite in voice to reproduce the sounds of digging, drilling, grinding, explosions, alarms, machinery against the backdrop of the landscape of the mine in which they once worked. The daily workings of the mine are thus brought back to life in a song that rests on a sparse narrative of key words (“charge”, “stem”, “shovel”, “hammer”, “drill”) and the simulation of the sounds of the workings of the pit. The resonating voices of the miners rise up above the desolation, intimating practices since rendered lost and obsolete.
Mikhail Karikis è un artista interdisciplinare greco che vive e lavora a Londra. Il suo lavoro nasce da un’indagine della voce come materiale scultoreo e vettore concettuale, utilizzandola per esplorare nozioni di comunità, identità professionale e diritti umani. Ha studiato architettura alla Bartlett (UCL) e ottenuto un Master of Arts e un Ph.D alla Slade School London. Fra le sue mostre personali recenti: SeaWomen a Arnolfini, Bristol (2013) e al Wapping Project London (2012), XENON alla Galeria Eduardo Fernandes, Sao Paulo (2012). Fra le mostre collettive: Videonale 14, Bonn (2013); Manifesta 9, Belgio (2012); The Greek Pavillon, Palais de Tokyo, Parigi (2012); Mobile Radio, Biennale di San Paulo (2012); Padiglione Danese, 54° Biennale di Venezia (2011); Performance Festival, 3° Thessaloniki Biennale (2011). Ha pubblicato Xenophonia (2012), Morphica (2009) e Orphica (2007) con l’etichetta Sub Rosa e suoi lavori sonori sono stati inclusi in compilations fra cui Army Me di Björk (One Little Indian, 2005) e Sound Unbound di DJ Spooky (MIT Press, 2007). Il lavoro di Karikis sarà presentato alla prossima Aichi Triennale, Nagoya, Giappone (2013). Mikhail Karikis is Greek/British interdisciplinary artist. His work emerges from his long-standing investigation of the voice as a sculptural material and a conceptual compass which he employs to explore notions of community, professional identity and human rights. Karikis studied architecture at the Bartlett (UCL) and completed an MA and a PhD at the Slade School London. Recent solo exhibitions include SeaWomen at Arnolfini, Bristol (2013) and at Wapping Project London (2012); and XENON at Galeria Eduardo Fernandes, Sao Paulo (2012). Selected group exhibitions include Videonale 14, Bonn (2013); Manifesta 9, Belgium (2012); The Greek Pavillon, Palais de Tokyo, Paris (2012); Mobile Radio, Sao Paulo Bienal, Brazil (2012); Danish Pavilion, 54th Venice Biennale (2011); Performance Festival, 3rd Thessaloniki Biennale, Greece (2011). Since 2007, Karikis’s practice has included world-wide music releases: Xenophonia (2012), Morphica (2009) and Orphica (2007) with the label Sub Rosa. His sound works have been included in compilations such as Army Me by Björk (One Little Indian, 2005) and Sound Unbound by DJ Spooky (MIT Press, 2007). Karikis will present work at the next Aichi Triennale, Nagoya, Japan (2013). http://www.mikhailkarikis.com/

WORKS #3
Iron (2012) di Francesca Grilli è una performance sulla censura musicale italiana e prende avvio da un’analisi dell’archivio radiofonico della RAI e del repertorio censurato presso l’Ex Discoteca di Stato. La performance è un concerto per archi dove i musicisti suonano alcuni brani di musica italiana eliminati o modificati dalla censura, riproponendoli nella loro originalità e integrità. L’artista interviene sulla struttura dello strumento musicale, sulla modalità di utilizzo, applicando all’archetto del violoncello e del contrabbasso la presenza del fuoco, rispecchiando l’operazione di abbattimento dei limiti censori: questa trasformazione dello strumento musicale e delle sue note prevede la distruzione parziale dello strumento stesso. I musicisti, Francesco Guerri al violoncello e Luca Bernard al contrabbasso, suonano cercando di gestire la presenza del fuoco fino al punto di massima temperatura dell’archetto. L’audio della performance, inciso su un vinile che contiene le ceneri degli spartiti musicali bruciati, è riattivato in diretta radiofonica da bip bop. Iron (2012) by Francesca Grilli is a performance about Italian music censorship and starts from an analysis of the RAI radiophonic archive and the censured repertory in the former Discoteque of State. The performance is a concert for strings where the musicians play some pieces of Italian censored music in their entirety. The artist intervenes on the structure of the instrument using fire to symbolize censorship. This transformation will be the cause of the destruction of the instrument. The musicians – Francesco Guerri, cello and Luca Bernard, bouble bass – play while trying to control the presence of the fire. The audio from the performance, pressed on an LP that contains the ash from the burned scores, is played live on bip bop.
Francesca Grilli si è formata all’Istituto d’arte di Bologna e all’Istituto Superiore per le Industrie Artistiche ISIA di Urbino. Nel 2005 ha frequentato il Corso Avanzato in Arti Visive alla Fondazione Ratti di Como con l’artista Alfredo Jaar ed è stata in residenza presso la Rijksakademie van beeldende kunsten di Amsterdam dal 2007 al 2008. Dal 2007 è parte del progetto Fies factory, supportato da Centrale FIES. L’artista ha avuto numerosi riconoscimenti tra i quali il Premio Nuove Arti indetto dal museo MAMbo di Bologna e dalla Fondazione del Monte, il Premio Terna a Roma nel 2010 e il Premio Internazionale della performance a Trento nel 2006. Francesca Grilli ha esposto le sue opere in numerose mostre personali e collettive. Tra le personali di rilievo si segnala: The Conversation al museo MAMbo di Bologna nel 2010. Tra le collettive le recenti: Vice versa, Padiglione Italiano della 55° Biennale di Venezia (2013), Corpus al Madre di Napoli nel 2012, Fold presso Elgiz Museum of Contemporary Art di Istanbul nel 2011, Sleepover alla Serpentine Gallery, Londra nel 2010 e Manifesta 7 – The rest of now, Alumix, Bolzano, nel 2008. Numerose sono le partecipazioni ai Festival di performance: Drodesera Festival a Centrale Fies, Trento, Mantica, Teatro Comandini, Cesena, DNA – Roma Europa Festival, UOVO Performing Art Festival, Milano, VIVA Performance LAB/MAXXI Museum, Cosenza, Tupp Festival, Uppsala, SW, Rencontres Choregraphiques, Parigi. Francesca Grilli studied at the Institute of Art of Bologna and ISIA, Urbino. In 2005 she attended the Advanced Course of Visual Arts at Fondazione Ratti Como with artist Alfredo Jaar and from 2007 to 2008 she was artist in residence at Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam. Since 2007, she has been part of Fies Factory project, supported by Centrale Fies. The artist has been recognized many times: Premio Nuove Arti by MAMbo Museum, Bologna, Terna Prize 2010, International Prize of Performance, 2006, Trento. Her works have been shown in many collective and personal exhibitions. Among her relevant personal exhibitions: The Conversation at MAMbo Museum, Bologna (2010). Recent collective exhibitions: Vice versa, Italian Pavillion at the 55th Venice Biennale (2013), Corpus, Madre Museum, Naples (2012), Fold, Elgiz Museum of Contemporary Art, Istanbul (2011), Sleepover, Serpentine Gallery, London (2010) and Manifesta 7 – The rest of now, Alumix, Bolzano (2008). She has partecipated in many performance festivals: Drodesera Festival at Fies Central, Trento, Mantica, Teatro Comandini, Cesena, DNA – Roma Europa Festival, UOVO Performing Art Festival, Milano, VIVA Performance LAB, MAXXI Museum, Cosenza, Tupp Festival, Uppsala, SW, Rencontres Choregraphiques, Paris. http://www.francescagrilli.com/

WORKS #4
African Feedback (2005) documenta uno scambio fra l’artista Alessandro Bosetti e gli abitanti dei villaggi dell’Africa occidentale attraverso l’ascolto e la parola. L’artista propone alle persone che incontra una selezione musicale di compositori sperimentali o d’avanguardia, registrando le loro risposte, chiedendo loro cosa stiano sentendo e come si relazionino a questi suoni. Componendo le reazioni con field recordings realizzati nel corso del viaggio, African Feedback diventa un ritratto musicale di traduzioni culturali, incomprensioni, voci e linguaggi diversi; un lavoro seducente che attraversa e trascende la questione della differenza culturale. Through a process of listening and speaking, African Feedback (2005) documents an exchange between artist Alessandro Bosetti and residents of villages throughout West Africa. Playing music by various experimental and avant-garde composers to people met in villages, Bosetti records their responses, asking them what they are hearing, and how they relate to the music and sounds. Composing their responses, with field recordings made throughout his travels, African Feedback is a musical portrait of cultural translations, misunderstandings, different voices and languages; a beautiful and beguiling work cutting across the ongoing questions of cultural difference.
Alessandro Bosetti, nato in Italia nel 1973, è sound artist, compositore e performer. La sua ricerca, incentrata sull’area di confine fra musica e linguaggio, lo ha portato a realizzare una serie di lavori in cui l’estetica relazionale incontra modalità compositive originali, spesso avvalendosi di ricerche sul campo, interviste e conversazioni. Dal 2001 è stato impegnato in produzioni radiofoniche con diverse radio pubbliche e online in Europa e Stati Uniti e ha creato un vasto corpus di opere ibride che si collocano fra suono-testo e arte radio. Ha ricevuto commissioni per comporre pezzi per ensembles come KNM Berlin e Die Maulwerker e la sua ricerca performativa lo ha portato a tenere concerti in Europa, Asia e Stati Uniti, presentando set in solo per voce ed electronics che attraversano composizione elettroacustica, canzone, performance e poesia orale. Fra il 2007 e il 2009 ha creato, con il supporto dello STEIM di Amsterdam e dell’Harvestworks digital centre di New York, la macchina parlante Mask Mirror che poi ha utilizzato in numerose performance. Dal 2009, portando avanti la sua ricerca sulla musicalità del linguaggio parlato, ha esplorato le forme ripetitive di loop di registrazioni vocali sia in solo sia con l’ensemble Trophies, di cui fanno parte Tony Buck e Kenta Nagai. Bosetti ha pubblicato numerosi CD con etichette come Errant Bodies Press, Monotype, Rossbin e Sedimental. Alessandro Bosetti, born in Italy in 1973, is a sound artist, composer and performer. His main focus is in the fringe area between spoken language and music. He created a series of highly compelling works where relational aesthetics meet innovative composition. Field researches, interviews and conversations often build the basis for his abstract compositions. Since 2001 he has been engaged in many major radio art productions with several public and net radios in Europe and USA, and created a vast body of works of hybrid text-sound and radio compositions. He also received commissions to compose pieces for ensembles as KNM Berlin and Die Maulwerker. Bosetti is an emotional performer that has consistently toured in Europe, Asia and the United States. He’s been presenting solo sets for voice and electronics blurring the line between electro acoustic composition, text-sound pieces, song and performance. Between 2007 and 2009 he created the speaking machine Mask Mirror with the support of STEIM in Amsterdam and Harvestworks digital centre in NYC and performed extensively with it. Since 2009, continuing his quest on the musicality of spoken language, he has been involved in exploring repetitive speech-loop forms as a solo artist and with his ensemble Trophies with drummer Tony Buck and guitarist Kenta Nagai. Bosetti has published many CDs on labels such as Errant Bodies Press, Monotype, Rossbin and Sedimental. http://www.melgun.net/

PAROLE IN LIBERTÁ
Dynamica, ateneo dinamico, è un progetto di Emilio Fantin: un ateneo aperto a tutti, nomadico, che ha come centro il tema della soglia, una pratica formativa fondata sullo studio di quei personaggi storici e viventi che hanno lavorato sul confine del proprio campo disciplinare. Lo schema degli incontri di Dynamica prevede due fasi: una in cui viene richiesto un approccio intellettuale e analitico, l’altra dove, abbandonato l’atteggiamento razionale, si punta invece sull’espressione attraverso un approccio intuitivo ed emozionale. Il primo incontro a Bologna, nella biblioteca Amilcar Cabral il 15 dicembre 2012, si è focalizzato sul tema della coscienza. Durante la mattinata i partecipanti hanno ascoltato le relazioni di alcuni invitati: alcuni ricercatori che hanno indicato suggestioni sul tema della coscienza, facendo riferimento al loro punto di vista disciplinare. Fra gli ospiti: l’entomologo Gianumberto Accinelli, il fisico ricercatore Giorgio Lulli del CNR di Bologna, lo scrittore somalo Antar Marincola e l’artista Franco Vaccari. Nel pomeriggio la compositrice Serena Teatini ha guidato i partecipanti nella sperimentazione di forme sonore corali partendo dalle parole chiave ricavate dalle letture e dagli interventi della mattina. L’incontro è stato realizzato con l’aiuto di Fedra Boscaro e Patrick Waldo che hanno contribuito all’organizzazione e alla documentazione da cui è tratto l’estratto presentato su bip bop. Dynamica, ateneno dinamico is a project by Emilio Fantin: an open, nomadic aethaneum centered on the theme of the threshold; an educational practice based on the study of historical or living personalities which worked on the boundary of their fields.The structure of Dynamica‘s meetings is in two stages: the first is focused on an intellectual and analitical approach, the other is focused on an intuitive and emotional approach.The first meeting at Amilcar Cabral Library on December 15, 2012, in Bologna, was focused on the topic of awareness. During the morning the participants listened to the reports of the guests: some researchers shared ideas on the topic of awareness from the point of view of their respective disciplines. Some of the guests were: the entomologist Gianumberto Ancinelli, the CNR of Bologna physicist researcher Giorgio Lulli, the writer Antar Marincola and the artist Franco Vaccari. During the afternoon composer Serena Teatini led the participants to experiment a chorus using key words from the morning lectures. The meeting was arranged with the help of Fedra Boscaro and Patrick Waldo for the organization and the recording of the documentation.
Emilio Fantin, nato a Bassano del Grappa nel 1954, vive a Bologna. Fantin crea spazi di partecipazione dove l’aspetto formativo si coniuga con quello artistico. Lavora in un ottica sovra-disciplinare mettendo in rapporto l’arte con altri campi del sapere. Ha collaborato con istituzioni, università e musei internazionali. In particolare, nel 2012 ha realizzato, con Lu Cafausu, il progetto The Celebration of Living per And, And, And, Documenta 13, Kassel, ha promosso incontri e workshop a ASU, Arizona State University Museum e tenuto lezioni all’Art Institute di Chicago. Docente di Percezione e Comunicazione Visiva del Politecnico di Milano, dal 2005 insegna nella sezione di Piacenza. Ha partecipato a numerose mostre e manifestazioni internazionali: la Biennale di Venezia (1993, 1999, 2008); Performa, Festival Internazionale della performance, New York (2007); Frasq, Festival Internazionale della performance, Parigi (2011); Paradise Europe, Bizart, Copenhagen (2005). Emilio Fantin, born in Bassano del Grappa in 1954, lives in Bologna. Fantin creates spaces of participation where the educational aspect is connected with the artistic one. He works in a “on-disciplinary” way, relating art and other fields of knowledge. He has collaborated with international institutions, universities and museums. In 2012 he realized the project with Lu Cafausu, The Celebration of Living for And, And, And, Documenta 13, Kassel. He facilitated meetings and workshops at ASU, Arizona State University Museum and he taught at the Art Institute of Chicago. Since 2005, he teaches Visual perception and communication at Politecnico di Milano, Piacenza section. He partecipated in international exhibitions: Venice Biennale (1993, 1999, 2008), Performa, International Festival of performance, New York (2007), Frasq, International Festival of performance, Paris (2011), Paradise Europe, Bizart, Copenhagen (2005).

ARCHIVIO
Fogg Dam è un brano di field recording di Felix Hess incluso in Frogs 4, un vinile autoprodotto pubblicato nel 1985: la registrazione di un coro di rane realizzata la sera del 26 dicembre 1983 a Fogg Dam, a 70 km da Darwin, in Australia. Fogg Dam is a piece by Felix Hess included in Frogs 4, a self-released record published in 1985: field recordings of a frogs choir made on December 26, 1983, during the evening, at Fogg Dam, 70 km east of Darwin, Northern Territory, Australia.
Felix Hess è nato a L’Aia nel 1941. Ha studiato fisica e condotto ricerche nelle Università di Groningen e Adelaide nel campo dell’aerodinamica e dell’idrodinamica e sui comportamenti subacquei dei pesci. Dal 1978 ha iniziato a registrare cori di rane in Australia, Messico, Germania, Olanda e Giappone. Questa esperienza lo ha portato a creare sistemi elettronici interattivi, “creature sonore” che simulano cori di animali come insetti o rane. Hess è interessato anche ai fenomeni che normalmente sono al di sotto della soglia di percezione umana, come le oscillazioni nella pressione dell’aria: utilizzando strumenti molto semplici, li rende visibili e tangibili nelle sue installazioni. Felix Hess was born in Den Haag, Netherlands. He studied physics and worked as researcher in Groningen and Adelaide universities, especially in the fields of aerodynamics and hydrodynamics as well as the swimming behavior of fish. Since 1978, he has been recording frog choruses in Australia, Mexico, Germany, The Netherlands and Japan. This inspired him to use electronic parts to construct systems that simulate the group choruses of animals such as frogs or insects: in 1982, he began to build interactive electronic mini-robot, or “sound creatures”. Hess is also interested in phenomena that are normally beyond the reach of human perception, such as oscillations in air pressure: using often simple instruments, he makes them visible and aesthetically tangible in his installations.

RADIO LINKS
Moroccan Mix è un panorama sonoro d’arte contemporanea marocchina, curato da Anna Raimondo e Younes Baba-Ali per la piattaforma d’arte sonora e radiofonica Saout Radio. Dodici artisti di differenti discipline e generazioni sono stati invitati a esprimersi attraverso il linguaggio sonoro. Il risultato è un menù di paesaggi sonori, musica sperimentale ed elettroacustica, capsule sonore e mini-ritratti attraverso i quali immaginare nuovi territori e ricomporre la realtà a occhi chiusi. La selezione è stata presentata a: Victoria & Albert Museum di Londra, Mobile Radio BSP – Biennale di San Paulo, Centrale for contemporary art di Bruxelles e Istituto Francese di Cultura di Dakar. Moroccan Mix is a panorama of Moroccan contemporary audible art, curated by Saout Radio. It is a space to close the eyes and discover a menu of soundscapes, experimental and electroacoustic music, sonic-capsules, and mini-portraits made by artists from different generations and disciplines. It is an invitation to experience new territories and new moments through the act of listening. The selection has been presented at: Victoria & Albert Museum, London, Mobile Radio BSP – San Paulo Biennial, Centrale for contemporary art, Bruxelles and the Institute of French Culture, Dakar.
Selezione per bip bop/Selection for bip bop:
Zouheir Atbane, Pop corn process (2012)
Meryem Benm’Barek, How does it sound? (2012)
Mohamed Laouli, Change (2012)
Zoulikha Bouabdellah, My Holly Virgin (2012)
Saout Radio è una web radio focalizzata sull’arte contemporanea udibile. È uno spazio virtuale dove artisti di differenti generazioni e discipline possono esprimersi attraverso il suono. È una piattaforma transdisciplinare di scambio tra diverse strutture europee (radio, gallerie, associazioni, collettivi, istituzioni) e artisti provenienti soprattutto da Africa, Asia e Medio-Oriente. Fondata in Marocco da Younes Baba-Ali e Anna Raimondo, Saout Radio è un work in progress che consiste in un network di artisti, critici, accademici e curatori. Nella filosofia di Saout Radio il suono è interpretato come uno strumento sociale e politico, capace di creare nuove possibilità, suggerire movimenti, generare sfera pubblica o diventare specchio intimo. In questo contesto, il suono è anche uno strumento accessibile (dai registratori digitali ai telefoni cellulari, fino ai programmi copy-left) che permette all’ascolto di essere un’esperienza estetica, sociale e politica. Saout Radio è lo spazio tra il locale e l’internazionale, la radio FM e il paesaggio pubblico, il virtuale e il fisico. Si tratta anche di un progetto educativo che, attraverso laboratori, sezioni d’ascolto itineranti e dibattiti, condivide creazione sonora e produzione radiofonica al di là dei formati tradizionali. Saout Radio is a web radio station focused on audible contemporary art. It is a virtual place where artists from different generations and disciplines can express their intentions through the use of sound. It is a trans-disciplinary platform where the main idea is to create an exchange between different structures in Europe (radios, galleries, associations, collectives, institutions) and artists, mainly from Africa, Asia and the Middle East. Founded in Morocco by Younes Baba-Ali and Anna Raimondo, Saout Radio is a work in progress consisting of a network of artists, critics, academics and curators. Saout Radio is not about “sound for sound’s sake”. In its philosophy, sound is rather interpreted as both a physical and social tool, able to create new possibilities, to suggest movements, to generate a public dialogue or to be an intimate mirror: the reflection of different desires. In this context, sound is also an accessible tool (from digital recorders to mobile telephones, to copy-left editing programs), that allows listening to be an aesthetic, social and political experience. Saout Radio is the space in between the local and the international, the FM radio and the public soundscape, the virtual and the physical. It is also an educational project, a meta-radiophonic place where uses of sound for artistic purposes are shared through workshops, itinerant listening sessions and debates.

PLAYLIST
Selezione musicale a cura di/Musical selection curated by Luciano Maggiore:
Chants Funébres De Femmes, Koleo. Iles Salomon, Musique De Guadacalcanal (Ocora, 1994).
01 phantom words and 07 phantom words. Diana Deutsch, Phantom Words and Other Curiosities (Philomel Records, 2003).
Cantata bwv 78 (Jesu Der Du Meine Seele) – Aria Wir Eilen. Artur Zmijewski, Singing Lesson (Tochnit Aleph, 2011).
Throat Singing Ihan and Throat Singing Amma. Songs of The Inuit, Canada (JVC World Sounds, 1994).
Luciano Maggiore, nato a Palermo nel 1980, vive e lavora a Bologna. Musicista attivo nel campo della musica elettroacustica, negli ultimi anni ha sviluppato un forte interesse nei confronti dei meccanismi di diffusione del suono, utilizzando speaker e vari supporti analogici e digitali (walkman, lettori cd, registratori a bobina) come primo strumento. Il suo interesse si snoda tra valori architettonici e psicoacustici del suono come anche dinamici e direzionali ponendo un forte accento sui suoni fissati. Lavora regolarmente in duo con Francesco Brasini ed Enrico Malatesta. Il suo lavoro è edito da Boring Machines e Senufo Editions. Luciano Maggiore, born in Palermo in 1980, lives and works in Bologna. Active musician in the field of electroacoustic music, in recent years he has developed a strong interest in the mechanisms of sound diffusion, using speakers and several analogue and digital devices (walkmans, CD players, tape recorders) as principal instruments. His interest is focused on the architectural and psychoacoustic as well as dynamic and directional values of sound with a strong emphasis on fixed sounds. He regularly plays in duo with Francesco Brasini and Enrico Malatesta. His works are published by Boring Machines and Senufo Editions. http://lucianomaggiore.blogspot.it/

INTERLUDI
Letture da/Readings from Joseph Beuys, Enrica Lisciani Petrini


Courtesy the artists and Saout Radio

 

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